Al igual que en todos lados, en este segundo y último post del 2024 toca hablar de los discos del año. No quiero dar un veredicto sobre qué fue lo mejor o lo peor, ni mucho menos elegir al mejor disco, ya que ese  tema es una cuestión de gustos, y para eso existen los colores. Mi intención es simplemente recomendar algunos álbumes que escuché mucho durante el año por distintos motivos.

No estoy seguro de si son los discos que más veces reproduje o los que considero de mejor calidad, pero sí puedo decir que fueron trabajos que disfruté y que recomendaría sin dudar a cualquiera que me preguntara. Ya sea que seas un melómano empedernido o alguien que solo escucha música mientras maneja o hace aseo, estoy convencido de que estos discos te harán pasar un buen rato. Y con eso, para mí, es suficiente.

Además, como durante el año no solo escuchamos música reciente y siempre queda espacio para redescubrir discos más antiguos, también quiero mencionar algunos álbumes que volvié a escuchar y que me hicieron reconectar con ellos. ¡Hay mucho de qué hablar, así que vamos al grano!

Si bien no considero que estemos ante el mejor trabajo del dúo, ni encontramos temas tan impactantes como "Jumpsuit" y "My Blood" (de su álbum Trench), sí estamos ante su obra más refinada. Aquí se nota todo lo aprendido y la madurez tanto en la música como en las letras, lo que nos lleva en un viaje por una mezcla perfecta de lo más destacado de sus álbumes con mejor recepción, combinado con sonidos más cercanos al post-punk. Con letras que abordan la depresión, la ansiedad y la aceptación, y melodías vocales que van desde el rap hasta falsetes en algunos coros, nos encontramos con un disco fácil de digerir, con muchas capas de sintetizadores, guitarras simples y, por supuesto, el infaltable sonido del ukelele.

Como mencioné, este es un disco que se orienta hacia melodías pop, post-punk y el rock de sintetizadores al que nos tenían acostumbrados. Ni tan oscuro como Trench (su cuarto disco y el primero de esta fase conceptual), ni tan guitarrero como Scaled and Icy (su placa anterior), este álbum saca lo mejor de sí, tanto para sus fans como para aquellos que los escuchan por primera vez.

Si tuviera que definirlo, diría que es un disco de pop. Tiene muchas capas de sintetizadores, melodías pegajosas y baladas más tristes. Es un viaje por una variedad de estilos que invitan a escucharlo varias veces.

Después de explorar el final del continente Trench y la ciudad de Dema, podemos esperar cualquier cosa de su próximo trabajo. ¿Será una continuación de este disco conceptual? ¿Tendrá un contexto completamente nuevo? ¿O será un disco "normal"? Habrá que esperar. Por ahora, la banda ya no está atada a nada.

Entre mis temas favoritos están "Routines In The Night", "Navigatin" y "Paladin Strait".

2. "Totem", un disco estilo PedroPiedra. 

Siempre que pienso en la música que hace Pedropiedra, llego a la misma conclusión: es música estilo Pedropiedra. Con una mezcla tan grande de ritmos y su forma tan particular de escribir y cantar, es casi imposible catalogarlo en un estilo que no sea simplemente los genéricos de rock y pop. Aló, su penúltima placa, fue una sorpresa. Grata, pero sorpresa al fin. Con un estilo más definido a lo largo de todo el disco, mucho más cargado hacia sonidos urbanos, incluso con reguetón y trap en su tracklist, el álbum lanzado durante la pandemia significó un aire fresco tanto para su repertorio como para el pop chileno en general.

Desde esa pandemia, y con un cantautor mucho más maduro, comienza a gestarse el presente trabajo. Tótem viene a traernos lo mejor del artista, con la mezcla tan particular de ritmos y estilos a la que nos tenía acostumbrados, pero ahora con letras más introspectivas y personales, sin dejar de lado la energía que lo caracteriza. Con 54 minutos y 17 canciones, este es un disco entretenido, con temas más para cantar que para bailar (a diferencia de Aló). En palabras del propio Pedropiedra, es un álbum melancólico y sombrío, pero con toques alegres y lúdicos. Lo único que podría criticarle es que a veces se siente un poco largo; tal vez, con un par de canciones menos, estaríamos frente al mejor trabajo de su carrera. Pero como siempre, estas son solo apreciaciones personales.

Por esto hablo de un "estilo Pedropiedra", porque vuelve a desplegar ese espectro sonoro amplio, tanto musical como vocal, que lo hace tan único y que lo ha convertido en un referente de la escena. Dentro de Tótem encontraremos canciones pop de coros pegajosos, rock con riffs potentes, baladas, momentos de trap y hip-hop, sonidos en loops, e incluso toques andinos, como en la homónima "Tótem", que para mi gusto es, por lejos, la mejor del disco. Fresco y con una gran interpretación, siempre será un buen momento para cantar y disfrutar del estilo Pedropiedra.

Entre mis temas favoritos están, como ya mencioné, "Tótem", "VALOR", "Planetas Vecinos" y las colaboraciones "Para Siempre Joven" con Macha de Chico Trujillo, y "Acero Chino", compuesta junto a Álvaro Díaz (31 Minutos) y con la participación de los hermanos Durán (Los Bunkers).

El "hate" que ha recibido este disco me parece desproporcionado, especialmente considerando  reseñas y críticas que surgieron el mismo día o al día siguiente de su lanzamiento. Personalmente, necesito muchas escuchas y un análisis más profundo para formarme una opinión sólida sobre un álbum, especialmente si se trata de criticarlo de manera negativa. Dicho esto, tras leer bastantes reseñas, he identificado ciertos puntos comunes en las críticas, y aunque concuerdo en algunos aspectos, discrepo en otros.

Primero, creo que el mayor problema radica en la elección de los singles que crecen de potencia. De hecho, "Houdini" es el tema que menos me gusta del disco. También coincido en que en ocasiones se percibe una falta de potencia interpretativa por parte de Dua Lipa. Sin embargo, llegar a destrozar el álbum me parece exagerado. Especialmente, discrepo con un argumento repetido: que el álbum no está a la altura de su trabajo anterior.

Seamos sinceros: te guste o no, Future Nostalgia (su placa anterior) es un discazo. Está repleto de hits y marcó una tendencia en el pop mainstream, llevando los sonidos ochenteros, con bajos melódicos y llamativos, al centro de la escena. Muy pocos artistas y álbumes logran influir tan profundamente en el panorama musical. Por eso, esperar que Dua Lipa iguale o supere ese nivel de manera consecutiva es, a mi parecer, utópico. Esto le ha sucedido incluso a grandes referentes: Oasis nunca volvió a hacer un (What’s the Story) Morning Glory, The Strokes no tienen otro Is This It, y en Chile, Jorge González no volvió a crear otro Corazones. Pensar que cada álbum de un artista debe ser un superéxito me parece una expectativa irreal.

En mi opinión, el "pecado" más grande de Radical Optimism es la falta de los grandes hits que definieron a su predecesor. Este es un disco que se aleja del pop masivo de superestrellas para volver a un estilo más cercano al pop indie de su álbum debut, y eso, personalmente, me gusta. Tiene canciones muy bien trabajadas, con una producción impecable a cargo de Kevin Parker (Tame Impala), y representa una clara evolución de Dua Lipa.

El disco es liviano, corto y fácil de digerir. Sus 35 minutos invitan a darle una oportunidad. Las canciones tienen ritmos simples, no están sobrecargadas de efectos ni de capas de sintetizadores, y se destacan  elementos como guitarras acústicas. Este enfoque permite que su voz sea el centro de atención, dejando que las letras fluyan sin distracciones. Es un álbum entretenido, rítmico y agradable de escuchar, aunque no revolucionario.

Entre mis favoritas destacan "These Walls", "Whatcha Doing", "Falling Forever", y "Maria". Es cierto que no estamos ante el disco del año, pero pasarás un buen momento disfrutándolo.

Cuando entré por primera vez a este disco no imaginé lo que me esperaba. Han pasado largos 10 años desde la salida de Vengo, su anterior y mejor trabajo. Ese fue un álbum espectacular: mezclando diversos ritmos latinoamericanos, Ana Tijoux logró uno de los mejores y más entretenidos discos de hip hop que he escuchado. Claro, reconociendo que no soy ni experto ni amante del género, es más, muchas veces me cuesta entrar en él.

Diez años es mucho tiempo en la vida de cualquier persona, y este es un reflejo de lo que puede cambiarnos la vida en ese tiempo. Si tuviera que definirlo, sería como "luchar contra la muerte a través de la vida". Y es que es imposible no abordar un disco tan íntimo sin poner atención a la lírica. Vida es eso: la representación musical de lo que ha vivido Tijoux en este tiempo. Desde ser madre hasta perder a su hermana, la vida nos da golpes duros, nos da rabia (díganmelo a mí), pero también nos enseña y nos da alegrías. Por eso, como nos muestra este álbum, siempre es bueno vivir.

Este es el primer golpe que no esperaba. Tijoux se ha caracterizado por su crítica social, que va desde el feminismo latinoamericano hasta la defensa de los pueblos originarios. Por eso, encontrar un álbum tan íntimo y profundo, que convierte los duelos en celebraciones, fue una agradable sorpresa. No es que no tenga esa crítica social, porque la tiene, pero evidentemente no es el núcleo del trabajo. Y si vamos a celebrar la vida, ¿qué mejor forma de hacerlo (y ahora vamos a la música) que con un disco de baile?

Desde que suena esa primera melodía en "Millonaria" (la pista que abre el álbum), nos damos cuenta de que este no es un disco de hip hop convencional. Ahí el segundo golpe: el disco abre con una notoria melodía de trap, tanto en lo musical como en la forma de cantar. Este disco suena y se siente moderno, con variedad de ritmos (igual que su anterior trabajo), pero más cargado hacia la música urbana y de baile. No me malentiendan, no es un disco ni de trap ni de reguetón, pero sí se trata de un hip hop latinoamericano con tendencia más hacia el pop que hacia el hip hop clásico. Como dije, este disco tiene variedad, y eso lo demuestran los estilos que suenan, como lo son (y tomen aire): el hip hop clásico y latinoamericano, el trap, reguetón, afrobeat, R&B, jazz, algo de cumbia, electrónica, dancehall, disco, folk y funk, que juntos resultan en un pop brillante.

En conclusión, y renegando mi propia afirmación del comienzo, creo que estamos frente al mejor y más potente álbum de Tijoux, tanto musical como líricamente. Si quieres un disco inteligente de música para bailar, sus 46 minutos no te defraudarán. Entre los temas que destaco están: "Oyeme", "Cora", "Tania" (escrita para su hermana) y su colaboración con Pablo Chill-E, "Dime Qué".

Son muy pocas las veces que, al escuchar un disco por primera vez, estoy esperando los últimos segundos para volverlo a reproducir desde el principio. Algo me pasa con este álbum, pero no sé exactamente qué es. Hit Me Hard And Soft es lo mejor que escuché este año y, para mí, lo mejor que ha hecho Billie Eilish.

Aunque he escuchado sus discos anteriores —y cómo no, si con su primer álbum When We All Fall Asleep, Where Do We Go? arrasó con todo, llevándose cuatro Grammys, incluido Álbum del Año— no me considero fan. Sus letras, que hablan sobre la desconexión social, la fama y la salud mental, supongo que no están pensadas para alguien como yo, sino más bien para nuevas generaciones. Sin embargo, es innegable que Billie Eilish ha marcado una de las mayores diferencias en el pop contemporáneo.

Eilish tiene un estilo definido: su música es minimalista, suave, oscura, y susurrante, alejada de la sobreproducción característica del pop convencional. Mezclando indie, electrónica y la música dark, puede transitar entre ritmos tranquilos y eléctricos en una misma canción.

Oscuro y hermoso, este disco está lleno de cambios que lo convierten en una evolución de su música. "Skinni", que abre el álbum, comienza con un simple arpegio de guitarra para transformarse en un arreglo de cuerdas orquestal que sirve como puente hacia el pop electrónico del siguiente tema. A veces escuchamos a Eilish cantar suavemente, y en otras su interpretación tiene tanta fuerza que parece un disco completamente diferente. Por momentos me recuerda a lo mejor de Dua Lipa, y en otros siento influencias de The Bends de Radiohead. Hay canciones en las que basta con su voz y el rasgueo de una guitarra acústica, mientras que otras están llenas de capas de sintetizadores, aunque sin eclipsar su voz. Así de cambiante es este trabajo, y por eso es tan atrapante.

No quiero contarte más porque podría dedicar varios párrafos a describir cómo evoluciona su música a lo largo del álbum. Lo mejor será que lo descubras por ti mismo. Solo quiero advertirte que, si buscas grandes éxitos del pop, este no es el disco. Como dije, este trabajo representa un estilo más oscuro y sencillo, llamémoslo "dark pop", mucho más indie que mainstream.

Entre las canciones que más me gustan están: "Launch", "Wildflower", "L'amour de ma Vie", y "Blue".

A pesar de no ser un disco del que este año me halla reencanto, ni conocido, sino más bien lo había recontra escuchado, hay algo por que mencionarlo. No puedo creer que hayan pasado 20 años desde que Tramposo Amor de los Difuntos Correa vio la luz. Recuerdo perfectamente aquellos días, cuando tenía 18 años y la banda estaba de gira con su segunda placa, Resucitando  la Fe en un Beso Fatal. Fue a través de este segundo disco que tuve mi primer acercamiento hacia ellos. La verdad es que, en ese momento, no les presté mucha atención, ya que el tema que  habia sonado por todas partes, "Black Dancing", no me emocionó demasiado (¡qué equivocado estaba!). Pero cuando finalmente les di la oportunidad, me llevé una sorpresa inmensa.

Aunque los conocí por su segundo trabajo, siempre me ha gustado más este primer álbum. Si no los conoces, tal vez te suene el cover de "Tiempo en las Bastillas" (de Fernando Ubiergo), que fue el tema de la primera temporada de la serie Los 80. Te cuento que en ese entonces, la banda estaba rompiéndola, convirtiéndose en la banda chilena que más conciertos dio en 2005 y 2006.

Menciono este disco como  perdido porque, por alguna razón, no estaba disponible en Spotify. Aunque se podía escuchar en YouTube, seamos sinceros, nadie usa YouTube Music. En su momento, me gustaba tanto que siempre revisaba la aplicación para ver si había algo en ella, pero nada. Pero en 2024, al cumplirse 20 años de su lanzamiento, apareció remasterizado y con la alineación original para celebrar este aniversario con algunos conciertos.

Tramposo Amor es un álbum que mezcla principalmente rock, ska y música latinoamericana, y tiene una energía y originalidad únicas. Me encanta la mezcla de ritmos, los solos de guitarra distorsionada y, por supuesto, los vientos. Son estos últimos los que transforman una simple canción de amor en algo memorable (o al menos, recordable). Las canciones son cortas y ágiles, ya que, a pesar de tener 10 temas, dura algo menos de 29 minutos (¡muy breve!). No esperes encontrar las canciones más complejas ni las letras más brillantes de su generación. Este es, al fin y al cabo, un disco dirigido a adolescentes, pero es muy agradable de escuchar, ya que si en esos años era novedoso, hoy sigue siendo igual de fresco.

Y con esto me despido, pero también quiero recomendar que escuches su segundo disco, que cuenta con la participación de Mario Mutis (bajista histórico de Los Jaivas) en la producción,  y se nota mucho su influencia. Entre mis temas favoritos de Tramposo Amor están: "Pasaje en Avión", la homónima "Tramposo Amor" y, por supuesto, mi favorita: "Difunto"

.

Desde los primeros segundos, sabemos que estamos frente a un tipo de música completamente diferente, tanto que a veces pareciera ser obra de otra banda. Con un sonido mucho más refinado, sofisticado y cinematográfico, The Car incorpora estilos que pasan por el jazz, el soul y la música barroca, con arreglos orquestales de una elegancia única.

Su anterior placa, Tranquility Base Hotel & Casino, ya nos había mostrado esta evolución. Sin embargo, mientras ese penúltimo disco es conceptual y minimalista —y puede llegar a sentirse frío y distante en ocasiones—, The Car suena más cálido y accesible, evocando pasajes que recuerdan a The Beatles.

Claramente, este no es un álbum para cualquiera. Su ambiente íntimo y ritmo pausado, centrado más en pianos que en guitarras, podría alejar a quienes esperan los estridentes riffs de AM. Pero The Car es un disco que exige atención y paciencia, y que recompensa con una experiencia sonora única.

Este trabajo representa una evolución musical de Alex Turner y compañía. Es lo que esperamos de los grupos que, dejando atrás la adolescencia, abrazan la madurez. Seguimos disfrutando de sus antiguos álbumes con un rock más marcado (yo amo su primer disco, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not), pero The Car es la muestra de crecimiento que espero de todas las bandas que admiro.

Finalmente, entre mis temas favoritos están: "I Ain't Quite Where I Think I Am", "Body Paint", "Hello You" y "Perfect Sense".

Sin duda, este fue el disco que más reproducciones tuvo en mi 2024. Y no es para menos: me encanta. Me hace recordar momentos hermosos de mi vida, me llena de tranquilidad, esa misma que sentía cuando visitaba la cordillera, un lugar que, debido a mi enfermedad, ahora me cuesta tanto visitar.siempre que lo escucho me imagino en una cabaña, con una fogata y una guitarra cantando con los amigos.

Aves de Chile es precisamente eso: un viaje al campo, la cordillera o la playa (elige el paisaje que prefieras). Es calma, es disfrute. Es cerrar los ojos, mirar al cielo y dejarse llevar por la música, sin pensar en nada más que en el placer de estar allí.

Este álbum combina pop, indie y folk de una manera preciosa, logrando con sus sonidos cálidos y relajantes transportarnos a lugares tanto emocionales como naturales. La banda penquista suena "al sur" de Chile", con letras sencillas pero poéticas, una voz suave, guitarras acústicas, arpegios simples y teclados que acompañan sutilmente, sin quitarle protagonismo a la lírica. No está sobrecargado ni sobreproducido, algo fundamental cuando tienes algo que contar. Bajo la producción del cantautor Fernando Milagros, este trabajo ofrece una experiencia musical única. Es un disco que, en ocasiones, te invita a cantar; en otras, simplemente a cerrar los ojos y escuchar.

No estamos hablando de un álbum revolucionario desde lo musical, pero sí de uno que cumple plenamente su propósito: emocionar y llevarnos de viaje.

Definitivamente, este es un disco que merece una revisión completa algún día (y la haré), ya que lo considero uno de los fundamentales del rock pop chileno de los 2010 (ahí tenemos otro tema para hablar). Por ahora, mis canciones favoritas son "Cazando Lagartijas", "Puerto Tranquilo" y "Osos y Cazadores".

Aquí vamos otra vez con la polémica. First Impressions of Earth, el tercer disco de The Strokes, marcó un momento crucial en la carrera de la banda. En su época, fue algo menospreciado por la crítica, aunque actualmente ha empezado a recibir un mejor trato. En palabras de Albert Hammond Jr. (guitarrista del grupo), mientras que con la salida de Room on Fire se les criticó por ser demasiado similar a su trabajo anterior, con este álbum las críticas se centraron en que era "demasiado diferente".

Hoy en día es innegable que Is This It es el disco más importante de la banda y uno de los más influyentes en la historia del rock. Sin embargo, después de haber revisado varias veces la discografía completa del grupo durante el año (gracias a un libro que estoy leyendo), a mi parecer, First Impressions of Earth es uno de sus mejores trabajos, superado aparte de por su primer disco, por The New Abnormal, su último disco hasta la fecha.

Como mencionaron los críticos en su momento, este es un álbum diferente a los anteriores, con un sonido más crudo y potente que se inclina hacia el hard rock más que hacia el garage rock característico de sus comienzos. Aun así, para mi gusto, mantiene la esencia de las guitarras entrelazadas que define a la banda. La producción es más grande y mucho más pulida, lo que contrasta con la crudeza que predominaba en sus dos primeros discos.

Aunque me parece un gran álbum, creo que las canciones de la segunda mitad pierden algo de fuerza en comparación con las primeras. Además, la duración del disco es considerablemente mayor (prácticamente igual a la de sus dos primeros discos combinados), y tal vez eliminando un par de temas habría sido más redondo.

Algunos consideran que este álbum marca el comienzo de la caída de la banda, pero yo lo veo como una etapa de experimentación bien lograda, donde intentaron liberarse de las expectativas para explorar nuevos territorios. La producción es más elaborada, con un enfoque en los detalles que resalta la precisión instrumental del grupo.

Es cierto que nunca habrá otro Is This It capaz de revolucionar la escena por completo, pero en mi opinión, First Impressions of Earth fue víctima de críticas excesivamente duras y está entre lo mejor que ha hecho la banda hasta el momento (aunque nunca he entendido la devoción generalizada por Room on Fire).

Entre los temazos del álbum, destaco "You Only Live Once", "Heart in a Cage" y "Razorblade".

Este es el último disco de la lista, y la verdad, no estaba seguro de incluirlo. A pesar de que siempre he disfrutado los discos en vivo, este además  tiene un elemento extra que me hacía dudar: es un álbum de covers. El hecho de no incluir canciones originales podría restarle puntos, pero, curiosamente, es esa misma característica la que lo convierte en un imprescindible para mí.

Esta parte del post, como mencioné al principio, está dedicada a discos que, aunque no sean del año, redescubrí o conocí recientemente. Y este trabajo es un verdadero hallazgo: me ha enseñado cómo canciones que antes no me gustaban pueden ser revaloradas al cambiar de intérprete.

Cristóbal Briceño es, probablemente (bueno, para mí definitivamente), el mejor intérprete y uno de los mejores cantantes de su generación. Escucharlo interpretar éxitos icónicos de la canción romántica latinoamericana es como disfrutar de "un karaoke perfecto".

Con temas de artistas como Los Ángeles Negros, Chayanne, Lucero, Diego Torres y Virus, entre otros, el disco, que dura poco más de una hora, logra que cantes canciones que ni siquiera recordabas que conocías. Briceño realiza un trabajo impecable, tan auténtico que a veces olvidas que no son composiciones propias. Su interpretación es profundamente original, pero también respetuosa de las versiones originales.

Además de su voz, que sin duda es la protagonista, las canciones son ejecutadas por una banda sencilla, sin grandes arreglos ni una instrumentación sobrecargada. Esto da lugar a versiones más indie o "rockeras" que las originales que  fueron concebidas para ser mega éxitos comerciales. Aquí, la simplicidad musical y la interpretación cobran protagonismo, transformando canciones que antes podían sonar algo "cebollas" en algo fresco y nuevo.

Te dejo algunos de los temas que destaco de este disco para que prepares el karaoke: "Completamente Enamorados", "Tácticas de Guerra", "Pronta Entrega", "Sé Que Ya No Volverás", "Mi Primer Amor" y "Otro Día Más Sin Verte", entre otros.